Lo Real Maravilloso

Los pintores realistas franceses de mediados del siglo XIX, compartieron una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera como se materializaba este principio básico varió desde la acrimonia objetiva de Courbet, hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet. Ante la trascendencia que concedían al tema, los románticos y academicistas; los realistas entendían que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.

Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura estaba sometida a las reglas de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tenían que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden la pintura sin argumento, la captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen, y no su desarrollo narrativo.

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“El taller del pintor”, es uno de los muchos cuadros controvertidos y duramente criticados del pintor francés Gustave Courbet. Fue pintado en 1855, y en la actualidad se exhibe en el Museo de Orsay, de París, Francia. También recibe los nombres de “Alegoría real” o “El estudio”. Este icónico cuadro es la pintura más emblemática de Courbet, y es considerada una alegoría real y descarnada de su entorno político, artístico y cultural.

Comenzado a finales de 1854, completó la obra en seis semanas, con la intención de exhibirla en Exposición Universal de París de 1855. El jurado de la exposición aceptó once obras de Courbet entre ellas, “El encuentro”, pero rechazó esta.

Indignado y como clara señal de rebeldía en contra del academicismo imperante, Courbet, con la ayuda de Jacques-Louis-Alfred Bruyas, abrió su propia exposición cerca de la oficial: “El Pabellón del Realismo”; considerado en la actualidad como el antecesor del “Salón de los Rechazados”, hito en la historia del arte, al cual dedicaremos un comentario particular.

La crítica fue parca y francamente adversa a Courbet y su firme postura de franco rompimiento con el academicismo tradicionalista imperante. La obra obtuvo pocas alabanzas y muchas críticas que le acusaron de vulgar.

«El mundo viene a que lo retrate en mi estudio», dijo Courbet. En “El taller del pintor”se mezclan personajes reales con otros anónimos que representan diferentes clases sociales, y también hay figuras alegóricas.

La escena tiene lugar en el taller de Courbet en París y se divide en tres partes: en el centro, el artista, con una modelo desnuda detrás de él; a la derecha, los «simpatizantes», y a la izquierda, «los que viven de la muerte y la miseria». La intención de Courbet era hacer desfilar por su lienzo a toda la sociedad humana contemporánea y criticarla o alabarla sobre la base de su criterio personal, en ese sentido, el cuadro puede considerarse una especie de Juicio Final, ejecutado por el pintor.

Justo entre los dos mundos contrapuestos en la escena, Courbet pintó un maniquí crucificado que representa a San Sebastián atravesado por flechas, hecho que para muchos representa el evidente y decadente martirio de la Academia, utilizando para ello su contestatario tono habitual.

Courbet escribió en una carta que envió a su amigo Champfleury en enero de 1855: «Es la historia moral y física de mi taller. Son las personas que me sirven, me sostienen en mi idea, que participan en mi acción. Son las personas que viven de la vida, que viven de la muerte. Es la sociedad en su cumbre, en su parte baja, en su parte media. En una palabra, es mi manera de ver la sociedad, en sus intereses y en sus pasiones. Es el mundo que viene a hacerse pintar en mi casa».

Con “El taller del pintor”, Courbet pone en entredicho la jerarquía de los géneros pictóricos, utilizando para ello un manifiesto personal que eleva la escena cotidiana por encima de los temas académicos, elevándola al rango máximo, de pintura histórica.

Courbet mezcla en este cuadro todas las categorías tradicionales: el paisaje, la escena de género, el desnudo, el retrato de grupo y el bodegón. El lienzo es, de hecho, una galería de retratos, es decir, una reunión de figuras conocidas, de alegorías o simplemente de distintas categorías sociales.

Courbet divide en su obra en enemigos y simpatizantes, situándolos a los “simpatizantes” y la “gente que vive de la muerte” a la derecha e izquierda, respectivamente, y reserva para sí, el centro del emblemático cuadro. Pocos pintores, hasta entonces, habían tenido la osadía de representarse en el centro de sus obras.

Entre las personas representadas al lado izquierdo, «gentes que viven de la muerte», sitúa a aquellos a quienes el mundo del arte les resulta indiferente, entre ellos: un cazador, que está en el centro y se parece extrañamente a Napoleón III, un rabino que representa la religión hebraica y un segundo judío comerciante. Se puede igualmente remarcar. Un jergón para el teatro y un sacerdote para la religión católica, un periodista enterrador (Émile de Girardin), tenido por sepulturero de la República, un obrero desempleado que simboliza el paro laboral, y una mujer pública (desnuda), que representa el vicio.

Los «simpatizantes», son situados por Courbet, a la derecha del cuadro, son en total doce personajes que representan a amigos, colaboradores y amantes del mundo del arte.

En la actualidad, se considera “El taller del pintor” un cuadro de fuerte valor emblemático, una obra moderna y revolucionaria, en el sentido de que eleva la realidad al rango de pintura histórica y la convierte en el referente artístico del Realismo Pictórico en su pleno derecho.

Las interpretaciones de este cuadro son múltiples, pudiéndose encontrar tres niveles de lectura: el cuadro de género con el retrato de grupo, el paisaje y el desnudo; las personificaciones y las alegorías.

El taller del pintor es una obra que anticipa las vanguardias artísticas posteriores y que plantea cuestiones sobre el papel del artista en la sociedad y la relación entre el arte y la realidad.

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