Lo Real Maravilloso

En el tapiz de la estética japonesa, pocos conceptos brillan con tanta sutileza y profundidad como el Zen. Arraigado en la interacción entre la simplicidad, la transitoriedad y lo inefable, genera un pulso intuitivo que recorre las tradiciones artísticas y literarias de Japón.

El Zen japonés es una tradición espiritual compleja que puede ser considerada desde múltiples perspectivas: filosofía, práctica religiosa y cultura. Su naturaleza no encaja completamente en una sola categoría, ya que abarca elementos de las tres. Su esencia radica en la práctica transformadora, más que en etiquetas. Como dijo el maestro Dōgen: “Estudiar el Zen es estudiarse a uno mismo; estudiarse a uno mismo es olvidarse de uno mismo”.

Definir el Zen, es como perseguir una sombra que se resiste a los límites rígidos y prefiere revelarse en los espacios silenciosos entre pinceladas, el ritmo de un haiku o la pátina desgastada de una puerta de templo. Para el escritor, el artista o el lector simple, hechizado por su resonancia, el Zen ofrece una lente a través de la cual explorar la belleza efímera de la existencia y su manifestación en la cultura japonesa.

El Zen encuentra significado en lo que se desvanece, en lo que queda sin decir o en lo que solo se vislumbra parcialmente. Este conjunto de rasgos y modos de comportamiento que conforman el carácter o la identidad japonesa ha moldeado el arte, la literatura y la pintura durante siglos, ofreciendo un contrapeso al clamor de la modernidad mientras permanece atemporal en su quietud.

En la literatura, el Zen se manifiesta como una reverencia por la brevedad y la sugerencia, cualidades que el haiku encarna a la perfección. Consideremos el célebre verso de Matsuo Bashō:

“Un estanque viejo

un sapo salta

sonido del agua.”

Aquí, el Zen es el espacio entre las palabras, la onda de significado que se extiende más allá de la página. El haiku no explica; invita. Captura un instante fugaz y lo libera en la imaginación del lector, encarnando la noción zen de que la verdad reside en la experiencia, no en la exposición. Esta economía de expresión se alinea con el desdén del Zen por el exceso: cada palabra es una pincelada, deliberada, sin esfuerzo aparente.

La pintura japonesa, desde los paisajes a tinta del período Muromachi hasta las estampas ukiyo-e de la era Edo, es una galería del Zen en movimiento. Tomemos como ejemplo: “Paisaje de invierno” de Sesshū Tōyō (ca. 1470 s).

En “paisaje de invierno”, los picos dentados y árboles esqueléticos emergen de una niebla de seda sin pintar. El espacio en blanco es una invitación a contemplar lo invisible, el aire cargado de nieve que existe más allá de la tinta. Este uso del ma (espacio negativo) es un sello del Zen, reflejando la creencia de que la belleza reside tanto en lo que se retiene como en lo que se muestra. La mano del artista se detiene, y en esa pausa, la mente del espectador completa la escena.

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Bajo la cresta espumosa de “La gran ola de Kanagawa”, pintura creada por Katsushika Hokusai entre 1830 y 1833, se esconde una revolución artística que cruzó océanos y llegó hasta los pinceles de los impresionistas y postimpresionistas. Esta estampa japonesa, con su ola furiosa en diagonal y el Fuji diminuto al fondo, no solo capturó la fuerza de la naturaleza, sino que se convirtió en un símbolo de libertad compositiva para los artistas europeos que buscaban romper con las reglas académicas. 

Monet, Degas y Toulouse-Lautrec cayeron rendidos ante el arte del Ukiyo-e. Coleccionaban estampas como tesoros y las estudiaban con devoción. Las líneas limpias, los encuadres atrevidos y los colores planos de Hokusai y Hiroshige les enseñaron a ver el mundo de otra manera. Pero si hay un artista en el que esta influencia se volvió pasión obsesiva, ese fue Vincent van Gogh. 

Van Gogh descubrió el arte japonés en París y quedó fascinado. En sus cartas a Theo, lo mencionaba una y otra vez: admiraba su frescura, su manera de simplificar las formas y su conexión con la naturaleza. Cuando se trasladó a Arlés, soñaba con convertir el sur de Francia en una especie de “Japón imaginado”. Allí, bajo el sol provenzal, sus pinceladas se volvieron más audaces, sus contornos más marcados, sus colores más puros. “El puente de Langlois”, con su estructura de madera recortada contra el cielo, parece un homenaje directo a los puentes de las estampas japonesas. Hasta en “Almendro en flor”, donde las ramas florecidas se recortan contra el azul, se siente el espíritu zen de la belleza efímera. 

La influencia de la pintura japonesa tradicional como expresión de la filosofía y modo de vida Zen, merece nuestra atención y nos invita a encontrar en la obra de Van Gogh los trazos de su diálogo con Oriente. Porque detrás de sus cielos remolinados y sus campos de trigo ondeantes, siempre late el eco de Hokusai y Hiroshige y la filosofía de lo imperfecto y lo efímero que cambió el arte europeo para siempre. 

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Vincent van Gogh nunca fue a Japón, pero estaba obsesionado por el arte japonés, y su influencia en su obra tardía fue profunda. Los contornos oscuros y nítidos, los bloques de color brillantes: estos elementos definitorios se hacen eco de su amor por el grabado japonés. Le dio a su arte esa cualidad caricaturesca que lo distingue de otros artistas europeos. Es parte de lo que lo hace único.

Van Gogh descubrió el arte japonés en 1886, cuando vivía en París. Después de siglos de aislamiento, Japón estaba ahora abierto a los comerciantes europeos. En París, y en toda Europa, Japón estaba de moda. La gente amueblaba sus casas con adornos japoneses y usaba kimonos para las fiestas de disfraces. París se inundó de estampados japoneses. Vincent compró cientos de ellos. Planeaba revenderlos, con una ganancia, pero nunca lo consiguió. Le gustaban demasiado como para desprenderse de ellos (era un hombre de negocios inútil).

Vincent no podía permitirse los mejores grabados, no tenía Hokusai en su colección. Coleccionaba grabados más baratos de artistas decentes, perfectos para un estudiante de arte japonés. “Le encantaban los colores fuertes, y los colores de estos estampados son muy poderosos”, dice Bakker. Esos poderosos colores se filtraron rápidamente en su propio arte.

Lo que apreciaba de los japoneses era su atención al detalle. Veía la perfección en todo lo que hacían.

El enamoramiento de Van Gogh por el arte japonés no se limitó a hacer copias. “No se limitaba a imitar”, dice Bakker.

Lamentablemente, Van Gogh solo tuvo unos pocos años para desarrollar el aspecto japonés de su arte. Se suicidó en 1890, con solo 37 años, apenas cuatro años después de haber comprado los primeros grabados japoneses en París.

Sin embargo, sin el arte japonés, ¿tal vez habría muerto incluso antes? “Estudiar los grabados japoneses lo hizo feliz”, dice Bakker. “Estos estampados reflejan un mundo hermoso, con colores hermosos: es un gran lugar para visitar, incluso si solo está en tu mente”.

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