Lo Real Maravilloso

De temperamento explosivo y personalidad sociopática, Caravaggio pasó gran parte de su vida adulta escapando de las autoridades debido a su implicación en múltiples altercados violentos. Su carácter violento y pendenciero le llevó a problemas legales que comenzaron con pequeños incidentes y culminaron en 1606 con el asesinato de Ranuccio Tomassoni en una disputa. Tras este crimen, fue condenado a muerte en Roma y obligado a huir. Este constante ocultamiento impidió que se asentara en un lugar, e intentara establecer un taller de pintura donde crear una academia y un voluntarioso retratista pudiera inmortalizar su imagen.

Se sabe de la existencia de un solo retrato de Caravaggio, atribuido a Ottavio Leoni, realizado alrededor de 1621, una década después de su muerte, hecho que hace aparecer dudas sobre la correlación del dibujo rescatado de la memoria; y la autenticidad de la imagen real.

El número exacto de autorretratos de Caravaggio es un tema de debate entre los expertos. Si bien se considera a varios personajes representados en sus pinturas como posibles autorretratos, no existe un consenso sobre cuáles son realmente aquellos que representan su verdadero rostro.

Téngase en cuenta, el estilo pictórico de Caravaggio, caracterizado por su realismo extremo y una fuerte carga dramática, hecho que hace difícil distinguir con certeza un autorretrato de otros personajes representados en la composición. Considere, además, la inexistencia de documentos que confirmen la autoría de sus obras, lo que dificulta toda investigación.

No obstante, y sujeto a grandes controversias, como ya he explicado, se aceptan un pequeño grupo de pinturas pueden ser consideradas como posibles autorretratos como:

– Baco enfermo: Esta pintura, realizada al inicio de su carrera, muestra a un joven con una apariencia enfermiza, lo que ha llevado a algunos a interpretarlo como un autorretrato tras una convalecencia.

“Bacchino Malato” (Baco enfermo) es considerado un autorretrato de Caravaggio donde aparece representado como un joven musculoso y atractivo, pero de piel amarillenta y de labios descoloridos.

Podría tratarse de un autorretrato de Caravaggio en el hospital, donde estuvo internado a causa de las heridas recibidas por la coz de un caballo. El modelo está sentado con el rostro vuelto al espectador. La apariencia enfermiza del Baco, con piel amarillenta y labios descoloridos, refleja el estado de salud del propio Caravaggio en ese momento.

Los rasgos del Baco en la pintura se asemejan a los de Caravaggio, lo que sugiere que utilizó su propio reflejo como modelo en contexto personal en que afrontaba pobreza y necesidades cuando pintó esta obra. La representación de Baco, un dios asociado con el vino y la fiesta, pero mostrado en un estado debilitado, podría reflejar la lucha personal del artista por salir adelante.

Estas razones combinadas hacen que muchos historiadores del arte consideren esta obra como el autorretrato de Caravaggio más documentado y lo acepten como tal.

La obra fue confiscada en 1607. Con posterioridad, el papa Paulo V la donó a su sobrino Scipione Borghese.

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– David con la cabeza de Goliat: En esta obra, algunos estudiosos del arte aprecian una representación simbólica de Caravaggio como el vencedor de sus enemigos o de sus propias debilidades.

La figura de David, un joven pastor que derrota a un gigante, ha sido interpretada como una alegoría del propio artista enfrentándose a sus adversarios o superando obstáculos en su carrera.

Algunos van más allá y ven en la cabeza de Goliat una representación simbólica de los enemigos del pintor. La mirada intensa y desafiante de David ha sido comparada con la mirada característica de Caravaggio, lo que ha llevado a algunos a especular que se trata de una representación autorreferencial.

Por último, al igual que David, Caravaggio era joven cuando alcanzó la fama. Esta juventud y la representación de un héroe bíblico podrían ser una forma de autoafirmación, aspecto que cobra relevancia con la violencia presente en la escena, donde David, sostiene la cabeza cercenada de Goliat, hecho que podría reflejar la vida turbulenta y a menudo violenta de Caravaggio.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que no existe una prueba definitiva. La idea de que “David con la cabeza de Goliat” sea un autorretrato de Caravaggio es una hipótesis interesante y que ha generado un amplio debate. Si bien existen argumentos a favor de esta interpretación, es fundamental recordar que se trata de una afirmación subjetiva.

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Autorretratos no autenticados, pendientes de confirmación.

La idea de que Caravaggio puso su rostro en retratos grupales, religiosos, y escenas mitológicas, aflora en la amplia literatura caravaggiana una y otra vez, sin que existan evidencias sólidas que respalden estas teorías, ni pruebas fehacientes que las justifiquen:

– “El entierro de Santa Lucía”.

Caravaggio era un maestro en la representación de emociones intensas. La mirada penetrante de algunos de los personajes representados en “El entierro de Santa Lucía”, ha llevado a muchas especulaciones sobre su significado. Una de ellas, muy difundida, afirma que Caravaggio aparece en el extremo derecho, mito popular que no tiene fundamento en ninguna investigación seria.

Resulta comprensible que esta idea haya surgido, debido a la intensa mirada y la expresión de uno de los personajes en la pintura. Sin embargo, los expertos en la obra de Caravaggio coinciden en que no existe evidencia alguna que vincule a este personaje con el propio artista.

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– “El prendimiento de Cristo”.

La idea de que Caravaggio se haya autorretratado en “El prendimiento de Cristo” es una teoría recurrente, pero no existe un consenso general entre los expertos.

La figura, comúnmente señalada como posible autorretrato, es la del hombre que sostiene una linterna en la parte derecha de la pintura. Su mirada intensa y directa hacia el espectador ha llevado a muchos a especular que podría ser una representación del propio Caravaggio.

Por el contrario, otros estudiosos aceptan que este hombre podría ser simplemente uno de los soldados que participan en el arresto de Jesús, sin ninguna connotación autorreferencial demostrable.

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– “El martirio de San Mateo”.

La afirmación de que Caravaggio se incluyó a sí mismo como espectador en “El martirio de San Mateo” es una teoría que ha sido debatida por los historiadores del arte durante décadas. No existe una prueba definitiva, pero sí numerosos indicios que sustentan esta hipótesis.

La figura señalada como posible autorretrato presenta rasgos físicos que coinciden con las descripciones de Caravaggio y su único retrato autenticado: el dibujo de Michelangelo Merisi.

La figura se encuentra en una posición que permite una observación directa de la escena, similar a la que adoptaría un pintor al crear su obra y su expresión, a menudo descrita como intensa y concentrada, sugiere una profunda conexión emocional con el tema, hecho que resalta al situarla en el punto focal de la composición; hecho que refuerza la idea de que Caravaggio quiso destacar su presencia.

Estudios realizados con ayuda de los rayos X han demostrado que el pintor cambió los personajes varias veces, lo que indica la complejidad de la composición hasta el resultado final.

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La ausencia de retratos oficiales de Caravaggio, puede ser explicado en parte por su estilo de vida errante y clandestino. A esta realidad, debe añadirse su preferencia por las escenas religiosas y mitológicas sobre los retratos y autorretratos, en franco contraste con otros maestros del barroco como Rembrandt o Velázquez.

Caravaggio plasmó personajes bíblicos y mitológicos en sus obras, por encima de su imagen y legado personal, utilizando su talento para explorar los aspectos más profundos y complejos de la condición humana. Esta elección no solo enriquece su legado artístico, sino que también contribuye al misterio que rodea su figura, convirtiéndolo en uno de los artistas más fascinantes y estudiados de la historia del arte.

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