Lo Real Maravilloso

Edgar Degas (1834-1917) es uno de los más emblemáticos representantes del impresionismo, aun cuando él no se sentía totalmente a gusto con la etiqueta de este movimiento de origen francés.

Degas es clasificado usualmente como un artista impresionista, descripción, sin embargo, insuficiente. Los impresionistas pintaban la realidad usando colores brillantes y saturados, centrándose principalmente en los efectos de la luz y la atmósfera, buscando transmitir una sensación de inmediatez. Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas, nunca adoptó la técnica de mancha y color, y menospreciaba la práctica de la pintura al aire libre.

Según la historiadora de arte Carol Armstrong, Degas era más bien un anti-impresionista que criticaba muchas de las obras de dicho movimiento. Tal y como el mismo Degas llegó a explicar, «Ningún arte fue nunca menos espontáneo que el mío. Lo que hago es el resultado del estudio de grandes maestros; de inspiración, espontaneidad o temperamento, yo no sé nada». Sin embargo, el tipo de arte de Degas se apega más al Impresionismo que a cualquier otro movimiento artístico.

Sus escenas sobre la vida parisina, la composición y sus experimentos con el color y la forma; sin mencionar su cercanía con varios notables artistas impresionistas como Cassatt o Manet, relacionan indudablemente a Degas con el movimiento impresionista.

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A finales de la década de 1860, Degas, que era ya un pintor reconocido, abandona la temática historicista de sus pinturas y comienza a dedicarse a la observación de la vida contemporánea, comenzó a pintar mujeres trabajando como modistas o lavanderas. “Mlle. Fiocre en el Ballet La Souce”, exhibida en el Salón de 1868, fue su primera gran obra centrada en un nuevo tema con el que se le identificaría particularmente: las bailarinas.

En varias de sus pinturas posteriores, Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras el escenario, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo. A partir de 1870, las obras de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su hermano, que habían dejado a la familia en bancarrota, ya que las pinturas de esta temática se vendían bien.

Al cambiar el tema en sus obras, Degas cambió de igual manera su técnica y estilo. La paleta de colores opacos, que surgieron por influencia de la pintura neerlandesa, fue remplazada por colores mucho más vivos y pinceladas mucho más marcadas.

El estilo de Degas se distingue por sus zonas inacabadas, incluso en pinturas altamente detalladas. Frecuentemente, culpaba dichas faltas a sus problemas en la vista, argumento que fue refutado por varios colegas y coleccionistas que creían poco probable que «alguien con problemas de vista pudiera pintar de tal manera».

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“La clase de ballet”, entre 1873 – 1876.

“La clase de danza” o “La clase de ballet” es una pintura fechada entre 1871-1874, se trata de un óleo sobre lienzo que muestra a las bailarinas del cuerpo de la Ópera de París, esperando la evaluación de su maestro Jules Perrot (1810-1892).

El conde Isaac de Camondo, un destacado coleccionista de arte impresionista, legó la pintura al Museo del Louvre en 1911. El original se encuentra en el Museo de Orsay de París desde 1986 y una variante de la pintura se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

La clase de ballet es una de las obras más ambiciosas de Degas y su primer gran lienzo de bailarinas. Comenzó a trabajar en la pintura en 1873, por encargo del cantante de ópera Jean-Baptiste Faure (1830-1914), uno de los pocos encargos que Degas aceptó en su vida. Sin embargo, luchó mucho con la composición y el trabajo avanzó lentamente al principio. Sin embargo, debido a que Faure insistió en recibir su pintura a tiempo, Degas hizo una variante de la obra en 1874, en un período de tiempo relativamente corto, que completó en noviembre de ese año. Mientras tanto, ya había exhibido la primera versión, aún no terminada, en la primera gran exposición impresionista en marzo de 1874. En última instancia, continuaría trabajando en la pintura hasta 1876 antes de considerarla completa.

La clase de ballet muestra a las bailarinas del cuerpo de la Ópera de París, esperando la evaluación de su maestro Jules Perrot. El cuarto está iluminado por una gran ventana fuera del encuadre a la derecha, pero que se refleja en el amplio espejo. Es claramente visible que la lección está llegando a su fin. Las bailarinas están cansadas y hace tiempo que dejaron de prestarle toda la atención al maestro; se rascan la espalda, se estiran, juguetean con un pendiente o se arreglan la ropa. Parece como si fueran ajenas a la mirada indiscreta del pintor y se las espía en secreto. Todas están representadas individualizadas, menos abstractas que en muchas de sus otras obras posteriores, pero enfáticamente «desde la distancia».

La figura de Perrot, que ya había dejado de enseñar en ese momento, no se agregó a la pintura hasta 1875, basándose en un boceto anterior que también utilizó para la variante de la pintura para Faure. También son llamativos los diversos detalles de la obra, como el perrito, la regadera y las pilastras de mármol negro veteado cuidadosamente trabajadas.

Al pintor impresionista le interesaban de gran manera los ensayos de las bailarinas, repletos de imágenes complejas y novedosas que estudiaba con ahínco. No le interesaban la pose ni la belleza idílica, sino, por el contrario, retener los detalles inadvertidos y las posiciones no registradas por la memoria de un espectador ansioso de acrobacias. Degas rompe así con la imagen de la delicada gracia y placer, al mostrar la intensidad del esfuerzo físico y el estudio, lo que le permite reivindicar la dignidad del oficio y, con ello, la dignidad de todo trabajo artístico.

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Esperando (L’Attente), 1882.

A partir de la década de 1860, Degas frecuentó la Ópera de París, donde realizó numerosos estudios sobre representaciones, ensayos y escenas detrás del escenario. Más tarde, perfeccionaría y combinaría estos motivos en su estudio, en ejercicios de atrevida habilidad técnica y convincente sutileza psicológica. Aquí demostró su completo dominio de la técnica del pastel. Los trazos delicadamente combinados se combinan con sombreados atrevidos y barras diagonales enfáticas; Los tonos rosa, azul y crema describen a la bailarina en contraste con la forma oscura y severa de la mujer mayor.

Una joven bailarina de ballet se inclina hacia adelante para masajearse el pie, mientras su compañera mayor, sombríamente vestida, se sienta en silencio a su lado en un banco. Parecen estar esperando, tal vez una audición o su resultado. Las dos figuras son un estudio de contrastes: la bailarina atlética vestida con un traje deslumbrante refleja el glamour y el artificio del escenario, mientras que la figura encorvada y mal vestida representa la monotonía de la vida cotidiana.

El pintor Edgar Degas hace gala aquí de su mirada particular sobre la profesión de las bailarinas. Exalta un momento de espera que no implica solo a la bailarina, sino a la mujer que le acompaña, que brinda apoyo y protege a la joven. El esfuerzo no es solo individual. El compromiso familiar forma parte de lo necesario para una carrera semejante.

La posición es compleja y deliberadamente carente de belleza apolínea. Las dos mujeres están concentradas en la esquina superior izquierda del cuadro. La joven abre los pies y flexiona la espalda buscando alcanzar los tobillos con su mano.

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“Bailarinas en azul” (1897).

“Bailarinas tras las bambalinas”, también conocido como “Cuatro bailarinas de azul” o “Bailarinas de azul”, es un pastel realizado alrededor de 1897 y conservado en el Museo Pushkin de Moscú.

La obra se distingue por su equilibrio compositivo extremadamente elegante. El pastel representa en un plano cercano a cuatro bailarinas ajustando sus trajes de ballet, teñidos de azul, antes de subir al escenario para la actuación. Degas interpreta este arreglo de ropa con cadencias teatrales, escenificando un verdadero ballet en el que giran miembros, bustos y rostros. Sin embargo, la división simétrica de los espacios se dinamiza por el recurso de dejar fuera de plano una parte del cuerpo de una de las bailarinas por debajo, de modo que la imagen aparece menos meditada y más casual.

Las cuatro bailarinas de este cuadro al pastel, en su conjunto, forman una suerte de pentágono irregular. Para representarlas, Degas ha elegido un plano picado o perspectiva alzada. Ha envuelto a las bailarinas en una atmósfera predominantemente azul. En la escena, las jóvenes se ajustan los trajes, probablemente esperando el momento de salir a la escena. Degas demuestra maestría en el tratamiento de la perspectiva, la línea, la iluminación y el color.

Aunque la impresión que da el cuadro es la de una visión accidental, Degas medita muy claramente sobre los equilibrios compositivos del pastel, ya comentados. Además, atento a los dibujos al carboncillo o a lápiz de los maestros modernos, el pintor orquesta un hábil juego de sombreado. Estos últimos, superpuestos entre sí, dan mayor cuerpo a las cuatro bailarinas. «Amaba el cuerpo humano como armonía material, como bella arquitectura en movimiento», comentaba Charles Baudelaire. También en esta obra, Degas se permite una amplia libertad de perspectiva: las figuras, de hecho, están vistas desde arriba, determinando así una considerable claustrofobia espacial.

El agudo análisis de Paul Valéry, uno de los biógrafos más intensos de Degas, se relata a continuación: «[…] Tiene un buen juego para aplicarse a las bailarinas: las capta más que halagarlas; las define. Como un escritor que se esfuerza por alcanzar la máxima precisión en la forma, multiplica las malas copias, borra, palpa, y nunca se engaña a sí mismo de haber llegado al estado “póstumo” de la propia obra, así es Degas: retoma sin cesar el dibujo, lo profundiza, lo cierra, lo envuelve, de hoja en hoja, de calco en calco. Regresa a este tipo de evidencia a veces; lo esparce de colores, mezcla el pastel y el carboncillo: las faldas son amarillas en una, moradas en otra. Pero la línea, las actitudes, la prosa están ahí abajo: esenciales y separables, utilizables en otras combinaciones […]. Creo que sintió el miedo de aventurarse en el lienzo y abandonarse a los placeres de la ejecución. Era un excelente jinete que desconfiaba de los caballos».

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Degas visitaba regularmente el Palais Garnier, el principal teatro de ópera de París, para observar clases de ballet y ver ensayos. También invitó a bailarinas de ballet a posar en su estudio, lo que le permitió documentar sus pirouettes y pliés con una precisión sin precedentes. A lo largo de su carrera, produjo aproximadamente 1,500 piezas de bailarinas, que comprenden más de la mitad de toda su obra.

Las bailarinas de ballet de Edgar Degas han dejado una marca imborrable en el mundo del arte. Degas, un destacado artista impresionista francés, se dedicó a retratar a estas bailarinas con una variedad de medios, incluyendo pintura, pastel, lápiz e incluso cera. Su enfoque no solo estaba en la belleza de las bailarinas, sino también en capturar el movimiento y la elegancia de la danza. A través de sus obras, Degas nos ofrece un vistazo íntimo a un mundo al que pocos tenían acceso: el mundo que subyace detrás de la escena del ballet. Sus representaciones han influido en generaciones de artistas y amantes de la danza. ¡Una verdadera celebración de la gracia y la pasión en el escenario!

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